Почему ты решила стать художницей? Ты помнишь точный момент этого решения?
Никогда не думала о причине почему я стала художницей. Предполагаю, я хотела глубже понять концепцию творчества как чего-то, что решается интуитивно. Мне не просто вспомнить момент принятия решения. Думаю, это всегда было как необходимость быть на связи с самой собой. Еще с детства я была захвачена процессом, когда была предоставлена самой себе и имела дело с созданием чего-то своими руками.
Ни у кого в моей семьей нет художественного образования, так что мои родители просто всегда воодушевляли меня на развитие тех навыков, что были. Я хорошо рисовала, я писала сказки и иллюстрировала их сама, также собирала модели исторических зданий о которых узнавала на уроках истории (зиккураты, дома эпохи неолита, Парфенон). При этом, с 6 лет и до моего подросткового возраста я получала академическое музыкальное образование. Я играла на пианино и флейте, но никогда не чувствовала что это главная область, которая мне нравится больше всего и, честно говоря, не была достаточно хороша, чтобы следовать этому пути. Но дисциплина обучения, заложенная благодаря музыке, в последствии оказалась очень полезной, хотя изначально была очень удушающей. Так что, в середине подросткового возраста курсы классической музыки послужили для меня способом заинтересоваться другими художественными ландшафтами, и изобразительное искусство каким-то образом оформилось как путь.
Более того, сейчас, оглядываясь назад, думаю, что во мне было также странное чувство, что я не желаю становиться начальником или наемным работником, а хочу оставаться в этой зоне самозанятости, которая дает больше свободы и много беспокойства, тем не менее!
В настоящий момент я не могу сказать, является ли это только профессией, поскольку воспринимаю искусство как образ жизни, нечто очень захватывающее, в котором самость не может стать абсолютно отдельной.
Что для тебя самое главное в скульптуре? Могла бы ты себя назвать определенно кинестетическим человеком?
Я хотела бы воспринимать скульптуру как нечто текучее и постоянно меняющееся, и я думаю, что развитие искусства и история искусства после модернизма освободили область от любых ограничений и ответственности следования нормам. Крайне важно, чтобы мы продолжали иметь дело с изучением возможностей формы и содержания. Мои работы в определенные моменты могут зависать между скульптурой и рисунком, и мне действительно нравится эта открытость, поскольку она позволяет границам смешиваться и восстанавливаться.
Кинестезия тесно связана с чувствами и телом, а моя практика – с материалами и структурами, которые во многом взаимодействуют с физической обработкой информации. В этих процессах я многому научилась, слушая и видя, но в то же время делая это, да, часть меня тоже кинестетична.
В наши дни руки чувствуют только стекло и алюминий, потому что наши смартфоны стали тем, к чему мы прикасаемся постоянно. Материал к которому ты так часто обращаешься в своих скульптурах – это алюминий … это совпадение?
Решение об использовании алюминия в моих работах очень сильно связано с постиндустриальным “подарком”. Технологический и промышленный прогресс изменил материальность, которая в основном присутствуют в нашей повседневной жизни. Мои работы воспринимаются как трансцендентные тела и находят свое воплощение в основном как алюминиевые поверхности, это указывает на то, что эти существа с их холодным металлическим эпидермисом структурированы элементом, обычно используемым в наше время. Использование плоских листов относится к переработке минерального сырья в первичном промышленном производстве, а плоскостность в целом связана с сдвигом двумерной и трехмерной размерности, который мы испытываем через интерфейсы, которые мы поддерживаем и с которыми мы сталкиваемся.
Сейчас, во времена COVID-19, люди носят медицинские перчатки, и почти каждая поверхность является местом для вируса. Не думаешь ли ты, что скульптура играет новую роль в процессе своих границ, в том смысле, что ты упомянула, как было после модернизма?
Конечно, наша повседневная жизнь изменилась из-за распространения вируса вместе с тактильным отношением к нашему телу, телам других людей и всем поверхностям, которые нас окружают. Я не чувствую, что способ, с которым мы имеем дело в производстве произведений искусства, сильно изменится, практичность и логистика могут стать более трудными. При этом, я не думаю, что произведение искусства перестанет нравиться или не будет выбрано для экспонирования или приобретения, поскольку оно – часть причины распространения вируса. Ситуация с вирусом оказывает глубокое влияние на нашу жизнь не только с точки зрения здоровья, но и главным образом в социальном и экономическом плане. Трудности, которые принесет этот кризис или рецессия, будут связаны не со средой, выбранной для разработки произведений искусства, а с вопросами и вопросами о том, насколько легко, при каких обстоятельствах, поддержке и возможностях создается искусство в целом. Весьма показательно, как в этот период стало необходимо решение проблемы об установлении устойчивого гражданского статуса художника. Я считаю, что остановить производство искусства невозможно, оно никогда не прекращалось, даже в исторические моменты, более сложные, чем этот, и я надеюсь, что он найдет способ приспособиться к этим новым эфемерным или постоянным условиям.
Как бы ты описала концептуальное развитие твоей художественной практики?
По своей сути, оно занимается вопросами трансформации и необычности, а также взаимоотношениями между людьми, животными, окружающей средой и технологиями. Визуально, это переводится в основном в пост-человеческие тела, природные элементы и механические отсылки.
Давай поговорим о твоих проектах. Какие твои любимые?
Я не могу сказать, какой из проектов – любимый. В какой-то момент, вещи, которые я предполагала будут восприняты не так хорошо, оказались удивительно прекрасными, а также вещи, которые, казалось, были идеальными, в последний момент оказались совершенно другими. Как только работа доводится до публики, механизм ее восприятия оживает иначе, чем в студии. Все проекты сыграли свою важную роль в продолжении практики. Я бы сказала, что на 2019 год у меня есть две любимые работы и одна инсталляция – это работа “Тело I” (Body I), выставленная в пространстве проекта Tile Project Space в Милане почти год назад, затем инсталляция “Эрратика” (Erratics), которая была показана в одном из зданий заброшенной военной базы на окраине Брюсселя и представлена в рамках музыкального фестиваля Horst, и, наконец, работа “Ночная королева” (Night Queen), которая была частью проекта “Хрустальные слезы” (Crystal Tears) в T293 в Риме, осенью этого года.
Какие темы интересуют тебя сейчас? Почему?
Я все еще изучаю те же самые темы, которые интересны мне уже давно. Различные углы и точки зрения усиливают повествование, с которым мне хотелось бы иметь дело. Я больше концентрируюсь на связи мифов с окружающей средой, на следах истории и археологии в связи с человеческим или нечеловеческим телом и ландшафтом. В настоящее время я просматриваю подборку текстов, которые раскрывают значение женщин-ученых из прошлого, так как они предвидели многие из проблем, с которыми мы имеем дело сейчас, но которые никогда не вызывали должного доверия. Есть несколько примеров, включая женщин-физиков викторианской эпохи, которые сначала говорили об изменении климата, но затем были выписаны из доминирующей историографии. В предстоящий период я работаю над созданием новой серии настенных и скульптурных произведений, видеоработы и потенциального перформативного элемента, который будет добавлен в инсталляции.
Очень нравятся твои проекты Them и Solar Love for the Rapid Felines, может быть потому что в них есть присутствие человека… Твои последние проекты больше относятся к другим, больше-чем-просто-тело темам. Можно ли сказать, что скульптура сейчас пытается больше сосредоточиться на содержании, нежели на форме?
Я не хотела бы заключать в афоризмы о том, что делает или не делает скульптура и искусство. Я думаю, что нам повезло жить в эпоху, когда художественная система принимает любую ориентацию самовыражения. Границы более проницаемы, чем когда-либо, и я не верю, что существует дихотомия между содержанием и формой. Я никогда не воспринимала искусство таким образом. Очевидно, что произведения, ориентированные на форму, наполнены содержанием, и тогда содержательно-ориентированные словари действительно применяются к форме для того, чтобы общаться. Речь всегда шла о том, как художники выбирают “рассказывать истории”, и конкретные повествования, строящие эти истории, могут быть структурированы штрихами, цветом, композицией, объемом, скрытыми или открытыми данными, алгоритмами или архивными материалами.
Обычно ты работаешь более чем над 4 проектами в год. Что помогает тебе быть продуктивной? Что тебя вдохновляет?
Я получаю много энергии от постоянного потока открытого диалога моих работ со зрителями и аудиторией. Я получаю ощущение синхронности от оценки и понимания моих предыдущих работ. Это создает желание повторять алгоритмы, которые хорошо сработали, избежать ранее сделанных ошибок, повторять формы и проверять их прочность в физическом пространстве, а также то, как они взаимодействуют вместе с идеями и концепциями. Меня вдохновляют также диалоги с друзьями, другие исторические или современные произведения искусства, шоу, которые я могу посетить в праздничные дни или в Интернете, литература и поэзия, природа, органическая или неорганическая материя, пейзажи, техника, которая используется в других областях и может быть передана в обработку как произведение искусства, предметы дизайна, формы и композиции в одежде, то, как тело воспринимается в архитектуре, в перформансах или даже на подиумах моды. Продуктивность не является чем-то устоявшимся и стабильным. Мне нравится ставить её под сомнение и переосмыслять время от времени.
Ты частично базируешься в Афинах. Тебе там комфортно? Что ты можешь сказать об арт-сообществе в Афинах и его специфике?
Я уже жила в Афинах до этого момента. Изначально я переехала сюда учиться, когда мне было семнадцать. Было довольно органично иметь город в качестве базы, между путешествиями, когда я решила переехать из Лондона в 2017 году. Приятное ощущение, да. Я действительно люблю город со всеми шансами и трудностями, которые он несет в себе. Он также сыграл важную роль, связав меня с моей взрослой жизнью, что делает неизбежностью не быть предвзятой по отношению к нему. Есть чувство солидарности между людьми, которое едва ли можно встретить в больших художественных сообществах, как в Лондоне. Конечно, выставочный потенциал и потенциал арт-рынка ограничены, но остальные условия предлагают, на мой взгляд, помощь многим художникам чтобы развивать свою практику. Город может создать одновременно грязное и в то же время шокирующе красивое и благородное впечатление. Для меня очень важно, чтобы моя практика оставалась на связи с этой частью Европы, которая также ближе к моему родному месту, так как это дает понимание социальных, экономических, системных и структурных вопросов, которые в больших жестко неолиберальных городах маскируются. Значительный вклад можно получить, наблюдая за происходящим и в других местах. Если не фильтровать через экзотизм и эссенциализацию, то эти наблюдения за местностью могли бы функционировать как проверка реальности и увеличение осознания различных сложностей, которые также имеют универсальное влияние. Более того, многоуровневое присутствие времени в городе вдохновляет. Античность укоренилась в современности и проблемах позднего капитализма.
Афинская художественная сцена буквально расцвела за последние несколько лет. Появились новые арт-проекты, инициированные вокруг города, некоммерческие пространства и интересные инициативы, которые также сумели привлечь ряд международных художников и сделали город их домом. Поэтому окружающая среда и диалоги стали еще более плодотворными и интересными.
