В марте 2021 года вы объявили, что галерея Cinnnamon не будет работать в прежнем формате, и упомянули, что галерея – это скорее агентство, а не просто точка на карте. Повлияла ли пандемия на ваше решение, или это был более экзистенциальный поворот – не существовать в прежнем формате?
Идея назревала в течение нескольких лет, но пандемия стала катализатором. Раньше я полушутя говорил, что единственная польза от физического пространства – это возможность принимать участие в художественных ярмарках. А выставки нужны для того, чтобы размещать фото инсталляций в Instagram. Мы много лет организовывали потрясающие выставки, но они ориентировались больше на художников и профессионалов от мира искусства, чем на коллекционеров. Однако с начала пандемии чуть ли не сто процентов наших продаж перестали быть связаны с показами. Мы всё чаще выходим на связь с нашими клиентами онлайн. Я думаю, что мир, включая мир искусства, будет выглядеть по-другому после пандемии. Это произойдёт не мгновенно и кардинально, но это неизбежно. Для меня настало время сделать шаг вперёд.
Мне кажется, что рынок искусства претерпевает системный кризис. Формат “стен и стендов” исчерпал себя. Он продержится еще пару десятилетий, но это плохая бизнес-модель, так что это будет недолго. Но я не говорю, что у меня есть готовые ответы. Рынок находится в переходном периоде, и мы не можем в полной мере понять, как он будет развиваться в предстоящем десятилетии.
Роттердам останется основной площадкой для CINNNAMON, или галерея расширит свою деятельность и станет «кочевой»?
Выставочная программа станет «кочевой», хотя я предпочитаю словосочетание «передвижная галерея». Мы не будем обосновываться в каком-то конкретном месте или городе. Нидерланды – маленькая страна, здесь легко передвигаться и находить интересные локации. После пандемии откроются возможности и для международных проектов.
Почему художник решил однажды открыть собственное пространство? Как вы начали управлять галереей? Сколько раз вам в голову приходила мысль бросить всё?
Было несколько причин. Я хотел организовывать выставки. Я хотел говорить об искусстве. Я хотел писать об искусстве. Я хотел открывать для себя искусство, продвигать искусство, участвовать в карьерах художников, и я хотел творить, создавать что-то стоящее. Я хотел работать с людьми, а не с материалами, и мне хотелось вдохновляться.
Сначала я навёл кое-какие справки, составил план, поговорил с людьми в этой области. Когда я был готов, я нашел место и просто провёл церемонию открытия. Первые несколько лет я держался на голом энтузиазме, было много работы, но я получал от неё удовольствие! Галерея быстро приобрела хорошую репутацию на международной арене благодаря своей интересной программе. Признание на местном уровне было далеко не таким стремительным – я, конечно же, переоценил влияние международной репутации на местные продажи.
Не уверен, что вы имеете в виду, говоря «бросить всё», но у меня определенно было желание сбежать.
Как отличается видение художника от оптики галериста, смотрящих на одно и то же?
Как художник, вы смотрите на искусство других людей с точки зрения своей собственной практики. Это может быть довольно эгоцентрический взгляд.
Как у галериста, у меня более открытый взгляд. Создание галерейной программы похоже на кураторство: я ищу связи, противоречия, я стремлюсь создавать диалог, который делает программу интересной в долгосрочной перспективе. Некоторые художники работают совершенно иначе, чем я в прошлом или сейчас. Тем не менее, я должен иметь какую-то связь с их творчеством. Я вижу частичку себя во всех работах художников галереи. Это очень личное, ведь я выставляю то, что купил бы как коллекционер. Я знаю, это не похоже на хорошую бизнес-стратегию. Увлечение сильнее моды.
Как галерист-арт-дилер, в отличие от галериста-создателя программной части, я должен искать то, что, по моему мнению, продастся.
В чем суть профессиональной жизни галериста? Как характер сбора, экспонирования, продвижения и продажи предметов искусства изменился с появлением технологий?
Думаю, он изменился даже за то относительно короткое время, в течение которого я этим занимаюсь. Переход в онлайн неизбежен. Сейчас большинство людей видят произведения искусства только в сети Интернет через Instagram или специализированные арт-платформы. Это и хорошо, и плохо. Мы привлекаем гораздо большее число людей, но если само искусство не цифровое, его следует видеть в реальной жизни, его «ауру», так сказать, нужно прочувствовать физически.
Где проходит граница, которая отличает новое поколение коллекционеров от предыдущего? Это поколение просто моложе, или в профессиональной практике есть какие-то новые принципы, не зависящие от возраста?
Думаю, новое поколение коллекционеров действует более независимо. Молодые люди иначе потребляют информацию. Они переходят в онлайн-формат и лучше ориентируются в нескольких социальных сетях. Опора на опыт нескольких местных галеристов не так важна. Нам, галеристам, необходимо перевоплотиться, чтобы привлечь новое поколение. Новые технологии и меняющийся рынок влияют и на старшее поколение коллекционеров, но, возможно, в меньшей степени. У меня сложилось впечатление, что большинство старых коллекционеров предпочитают иметь дело с существующими контактами и будут менее открыты для онлайн-галерей. Но это, конечно же, обобщение.
Одна из основных тем галереи Cinnamon – исследование и изображение новой материальности и цифровизации различных сфер нашей жизни. Как долго этот «тренд» будет влиять на искусство, с вашей точки зрения, и что может прийти после? «Пост-нью материальность»?
Если считать это «трендом», возможно, он уже закончился. Новое популярное веяние – политика идентичности, которая меня не особо цепляет. Однако цифровизация – это больше, чем тренд. Цифровые технологии являются частью жизни и продолжат развиваться, поэтому художники продолжат переосмысливать их. Для меня это остается интересным, особенно в отношении традиционных средств коммуникации. Я пока не вижу следующего доминирующего веяния. Сейчас внимание уделяется как материалам, так и цифровым технологиям. Однако, по-моему, молодое поколение художников гораздо лучше осознает влияние материалов на окружающую среду. Думаю, пластика станет меньше. Кроме того, возвращение к «ауре» указывает на то, что будет меньше «глянцевой» эстетики. Печать на дибонде не заинтересовала рынок искусства в целом. По крайней мере, судя по моему опыту.
Разве возврат к «ауре» возможен после того, как В. Беньямин фактически приговорил её к «смерти» в эпоху механического производства? Что такое “аура” в пост-цифровое время?
Я обращаюсь здесь к слову «аура» в том смысле, в котором Вальтер Беньямин проблематизировал его в эпоху технического воспроизводства. Доступность репродукции произведений искусства в цифровом виде можно рассматривать как еще один вызов понятию «ауры», так называемой «души» произведения искусства, которая связана с его уникальностью. Людям просто-напросто нравится видеть следы процесса изготовления, видеть руку художника в работе, ощущать запах еще не высохшей краски.
Как изменились отношения между галеристами, коллекционерами и организаторами арт-ярмарок с момента создания платформ подачи заявок и онлайн-галерей?
Думаю, мы достигли предела с арт-ярмарками. Художественные ярмарки играют не последнюю роль в системном кризисе рынка искусства, о котором я упоминал ранее, но именно галереи создали эту проблему, так сильно сосредоточившись на арт-ярмарках. Они готовы потерять деньги, чтобы продвинуться вверх по иерархии. Нужно понимать сущность арт-ярмарок для галерей малого и среднего уровня. Это огромный финансовый риск, и ярмарки, в первую очередь, ориентированы не на искусство, а на рынок. Выживание в этой системе – это испытание на выносливость; в данном случае выносливость означает наличие достаточно толстого кошелька, чтобы выдержать конкуренцию в последующие годы.
Что касается маленьких и молодых галерей, наша добавленная стоимость для ярмарок – это развлечение для клиентов более крупных галерей. Мы привозим новое, что-то, что они могут «открыть», но коллекционеры, в основном, традиционно скупают известных художников в крупных галереях. Как нелестно сформулировал Джерри Зальц, игра называется «не отстать от Гагосяна». Что ж, невозможно делать это и одновременно запускать кураторскую программу, если у вас нет толстого кошелька. Арт-ярмарки имеют свою забавную сторону, и мне иногда везло с продажами, но я правда считаю, что система вышла из-под контроля.
Всё это, конечно же, замечают и организаторы арт-ярмарок, и коллекционеры, и галеристы. Арт-ярмарки переходят в онлайн. Мы увидели, что пандемия оказала огромное влияние на эту сферу – почти каждая крупная ярмарка в прошлом году имела своё онлайн-издание. Я читал очень неоднозначные отчёты о результатах. Громкие имена продаются, коллекционеры вкладываются в них как в инвестицию. Но время, которое коллекционеры тратят на онлайн-ярмарки, очень ограничено. Если вы мелкая сошка в большом пруду, вас просто не заметят. Поэтому я думаю, что было бы разумно искать альтернативы. Больше внимания уделять другим типам сотрудничества или местным инициативам для создания новых сетей.
Каким вы видите баланс между искусством как частью бизнеса и искусством как формой отображения окружающего мира, включающего торговлю и бизнес?
Это сложная тема. Я думаю, что почти невозможно достичь такого баланса, и я также думаю, что именно поэтому отношения между искусством как отображением мира и искусством как товаром являются одними из самых занимательных. Некоторым художникам, таким как Энди Уорхол или Джефф Кунс, удалось найти баланс, поставив в центр творчества коммерцию и брендинг, хотя я не думаю, что этот подход действительно успешен как искусство. В конце концов, их цинизм не производит должного эффекта. Возможно, нам не стоит беспокоиться о таком балансе. В повестке моей галереи почти нет художественных размышлений о мире бизнеса. Некоторые из представленных мною работ критикуют его в более неявной и философской манере.
Вы из тех людей, которые нарушают правила, по которым играют в мире профессионалов, или, скорее, галерист, который пытается уберечь знакомую систему от серьезных проблем?
Я всегда был человеком, бросающим вызов правилам. Не ради самого нарушения правил. Но когда правила не поддаются критическому анализу, в рациональном или моральном плане, я не вижу причин им следовать . Хотя я ратую за сплочённость общества и выступаю в роли посредника, не в моей природе следовать групповому мышлению. Как я уже говорил выше, обсуждая галереи и арт-ярмарки, многие правила, нормы и социальные кодексы не имеют для меня смысла. В то же время я хорошо понимаю, что «система» вознаграждает тех, кто ей подыгрывает, и что выход из строя – это риск. Пока что пытаюсь найти баланс.
Я считаю, что мы находимся на переходном этапе. Растёт раскол между коммерцией, с одной стороны, и контентом и курированием, с другой. Некоторые из самых быстрорастущих компаний на рынке искусства, такие как Avant Arte, прекрасно разбираются в онлайн-рынке. Они не обременены неписаными правилами мира искусства и понимают, что это также относится и к более молодым покупателям, которых они обслуживают. Их не волнуют «программы», и их отталкивает элитарность, присущая традиционному рынку. Я думаю, что анти-элитарность – это глоток свежего воздуха, но этот современный рыночный подход является слишком коммерческим. С другой стороны – мега-галереи. Эти две стороны рынка найдут друг друга. Я считаю, что роль маленьких и более идейных галерей будет всё более нишевой. То есть иметь более локальное значение или масштаб в глобальном плане, но в рамках чётко определённой специализации или подкатегории.
Я должен выяснить, какой будет моя роль в будущем. Похоже, я буду ориентироваться на контент, а не на коммерцию. Это станет возможным, если изменить формат и снизить накладные расходы.
В чем суть ваших отношений с художниками: деловой интерес, перспектива будущих инвестиций или дружба? Может ли молодой художник просто написать вам в Instagram Direct со словами: «Здравствуйте, Питер, могу ли я показать вам своё портфолио»?
Это зависит от художника. Отношения между художником и галеристом уникальны. С кем-то ты дружишь, с кем-то держишься по-деловому. Но всё всегда начинается с интереса к работе. Я не мог бы работать на художника, чьи работы мне бы не нравились или которого я бы не признавал. Думаю, что в более широком смысле галерея – это ещё и сеть. Есть солидарность, есть дружба – некоторые художники дружат и между собой – но, в конце концов, это деловые отношения. Я тот, кто задаёт направление развития для галереи. Иногда в долгосрочной перспективе интересы и взгляды не совпадают, но всё идёт своим чередом, и это нормально. Это не клятва «пока смерть не разлучит нас», это излишне романтический взгляд на деловые отношения. Тем не менее, я преданный по характеру.
Художники всегда могут связаться со мной через Instagram, но, пожалуйста, поймите, что я не всегда могу ответить. Это не личные обиды.
Каков прогноз Питера Доббельстина для мирового арт-рынка на ближайшие 2-3 года?
Я думаю, что локальное – это новое глобальное. Художник от искусства, потакающего вкусам иностранных туристов, вышел из моды.
Онлайн-активность будет расти, инвестиции в онлайн-платформы и презентации увеличатся. Молодые, технически подкованные интернет-предприниматели будут всё чаще признаваться участниками рынка. Трансформация идёт полным ходом.
Мега-галереи сохранят или укрепят свои позиции. Новые галереи будут по-прежнему открываться теми, у кого есть деньги, другие будут закрываться, когда деньги закончатся. Постепенно традиционный формат оффлайн-точек исчезнет, но это вопрос не двух-трёх лет, как мне кажется, а вопрос десятилетий.
Художественные ярмарки попытаются найти для себя новые формы, чтобы выжить, либо осваивая Интернет, либо организуя более мелкие локальные мероприятия.
Что касается искусства, которое будет иметь успех в ближайшие годы… Я думаю, что художницы и небелокожие художники продолжат процветать в англоязычном мире, этот тренд ещё не закончился. Экспрессивно-фигуративная живопись останется надежным вариантом для покупателей произведений искусства.
Я не уверен насчёт шумихи вокруг NFT. Думаю, что технология блокчейн никуда не денется, но неясно, в какой степени она будет воспринята традиционным рынком современного искусства. Пока что произведения, которые я вижу на NFT-платформах, – это полная противоположность высокому искусству, это, в основном, девиантное искусство с ценником. Маловероятно, что традиционное искусство найдет своё место в криптовалютном мире, поэтому технологии придётся импортировать в этот консервативный мир. Думаю, перспектива интересная, но традиционное искусство медленно приспосабливается к нововведениям.
